Что создают художники


Современные художники создают произведения искусства из бытового мусора

«Мусорная» тема давно вдохновляет творческих людей на создание чего-то осмысленного из отслуживших своё вещей.

«Мусорная» тема давно вдохновляет творческих людей на создание чего-то осмысленного из отслуживших своё вещей.

Искусство мусора прошло длинный путь развития. Более актуальная тематика защиты природы, охраны окружающей среды от нашего воздействия придают «трэш-арту», как называется данное направление творчества, осмысленность и социальную значимость.

Несколько примеров работ, имеющих все основания претендовать на звание шедевров, и заставляющих посмотреть на себя и своё место в мире с неожиданной для многих стороны, приводит информационное агентство «Регион29».

Пару лет назад в Архангельске появился огромный слон, сделанный из 40 тысяч пустых пластиковых бутылок. Скульптура высотой свыше восьми метров и длиной 12,5 метров как бы намекала, что людям пора задуматься о необходимости вторичной переработки пластиковой тары.

Экспонат Музея мусора (есть в России и такой) создан из свечей зажигания и коробок передач, болтов, шестерёнок, подшипников и других не вполне обычных для художника материалов. Не нуждается в поливе (разве что машинным маслом) и выглядел бы естественно на какой-нибудь планете Шелезяка, как известно, населённой исключительно роботами. Стоит ли превращать в неё нашу прекрасную Землю?

Итальянец Дарио Тирони создаёт образы людей из отходов их хозяйственной деятельности. Особенно нравятся маэстро сломанные электронные компоненты, но и другим содержимым мусорных бачков он вовсе не пренебрегает.

Марк Лоренсон с Каймановых островов делом доказывает: то, что для одного человека является мусором, для другого — настоящее искусство. Его работы, созданные исключительно из отходов, заставляют как минимум задуматься о том, какое количество разных товаров мы покупаем и потребляем ежедневно. Также они подчеркивают необходимость переработки и вторичного использования бытовых отходов, ведь каждому из нас по силам внести свой вклад в сокращение числа вещей, которые отправляются на свалки.

Закончим нашу подборку скульптурой, прославляющей маленький подвиг экологически ответственного обывателя. Её собираются установить в дагестанском городе Каспийск в качестве пропаганды осознанного отношения к обращению с отходами.

О «мусорном искусстве» нередко упоминают в контексте «эстетики отвратительного». Однако подобные образцы творчества помогают нам осознать, что тонны мусора, ежедневно генерируемые человеческой цивилизацией, рано или поздно придется убирать и остаться в стороне от проблемы не получится ни у кого. И уже сейчас необходимо привыкать к простым правилам — что мусор надо сортировать, вещи покупать в экологичных упаковках, а выбрасывать батарейки и электролампы в общую мусорную корзину не только неприлично, но и преступно.

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»

Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920

1 из 2

Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884

2 из 2

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.

1 из 2

Жан Метценже. Стол у окна. 1917

2 из 2

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

1 из 2

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

2 из 2

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852

1 из 2

Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

2 из 2

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

1 из 2

Марк Куинн. Я. 2006

2 из 2

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

1 из 3

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

2 из 3

Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002

3 из 3

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818

1 из 3

Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

2 из 3

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

1 из 2

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

2 из 2

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

1 из 3

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

2 из 3

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной сережкой. 1665

3 из 3

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

1 из 4

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

2 из 4

Поль Гоген. Видение после проповеди. 1888

3 из 4

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917

4 из 4

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

Издательство «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской

Образ художника в «Автопортрете» Карла Брюллова

[Tags|Брюллов, Ван Гог, Ван Дейк, Веласкес, Гоген, Дюрер, Рембрандт, Рубенс, Сезанн, Тициан, портрет]

...«Портрет художника N» – это всегда очищенный взгляд со стороны, деликатный, исполненный пиетета и уважения, идеализирующий творца (и даже мифологизирующий его – вспомним нестеровский портрет скульптора Мухиной), это всегда гимн: даже не столько замечательному собрату по цеху, сколько самому искусству.

Автопортрет более трезв и проницателен. Он требует полного самоанализа и смелости вынести себя и кредо своей творческой индивидуальности на суд зрителя. Не всем художникам это по нраву. Модильяни написал немало портретов своих друзей – художников и поэтов, но единственный автопортрет стоит особняком в его творчестве.

Более того, «Портрет художника N» – это взгляд многоопытного путешественника на другую страну: с уважением к ее языку, традициям, культуре. И все же, это всегда взгляд иностранца. Потому что каждый большой художник говорит на собственном уникальном языке о собственном исключительном мире. И самый полный, проникновенный взгляд может возникнуть только изнутри.

Тициан, Веласкес, Рубенс, Терборх писали автопортреты в особые моменты своего жизненного пути и выражали в них идею творца в центре своего мира. Порой их художественные задачи сближались, но различия мироощущений всякий раз по-своему заостряли композицию и внутреннюю форму.

Диего Веласкес. Автопортрет.1640. Холст, масло, 45х38. Музей изящных искусств, Валенсия

Герард Терборх. Автопортрет. Ок. 1668. Холст, масло, 62,7х43,7. Музей Маурицхейс, Гаага

Автопортреты Веласкеса (1643) и Терборха (ок. 1668) завораживают нас магией артистической силы и таинственной необычностью миров, которые создают художники. Рубенс в автопортрете 1639 года утверждает свой статус крупнейшего живописца Европы. Тициан же не нуждается в подобном утверждении – в автопортрете 1560 года он изображает себя в свободной позе привычного полновластия: перед ним стоят иные проблемы – как удержать искусство и живопись от надвигающихся деградации и хаоса.

Питер Пауль Рубенс. Автопортрет. 1639. Холст, масло, 110х85. Музей истории искусств, Вена

Тициан. Автопортрет. 1550-62. Холст, масло, 96х75. Государственный музей искусств, Берлин

Для Рембрандта, Ван Гога, Сезанна автопортрет вырастает в нечто большее, чем жанр, выдвигаясь в одну из главных тем их живописи. Но как принципиально различны эти темы у каждого из художников! Серия автопортретов позднего Рембрандта становится величайшей в истории исповедью художника, и его, полный горечи взгляд исполнен мужества до конца искать в этом бесконечно далеком от совершенства мире крупицы прекрасного.

Рембрандт. Автопортрет. 1659. Холст, масло, 85х66. Вашингтонская Национальная галерея

Напротив, в автопортретах Ван Гога нет места исповеди, он слишком сосредоточен на чутком улавливании и нервно-аналитическом отражении различных состояний лучшей модели – самого себя, сплавляя самые острые непосредственные впечатления с символической условностью самых активных живописных форм.

Винсент Ван Гог. Автопортрет в соломенной шляпе. 1887. Картон, масло, 41х33. Музей Ван Гога, Амстердам

Но наиболее удаленную дистанцию от повествовательного психологизма в духе позднего Рембрандта мы можем увидеть у Сезанна, чья эстетическая этика, на первый взгляд, кажется лишенной всяческой эмоциональности. Но это не холодная бесстрастность, а служение Живописи, избавление ее от какой бы то ни было литературной вторичности.

Поль Сезанн. Автопортрет. Ок. 1885. Холст, масло, 45x37. ГМИИ им. А.С.Пушкина

Совсем по-другому выстроены автопортреты Гогена, чья живописная программа была до предела насыщена самыми разнообразными импульсами не только из других видов искусства и литературы, но в еще большей степени из мифологии, богоискательства и общей атмосферы бунтарства своей эпохи. В письме к Ван Гогу он пишет о своем автопортрете «Отверженные» (1888):

Поль Гоген. Автопортрет «Отверженные» (с портретом Бернара и посвящением Ван Гогу). 1888. Холст, масло, 45х55. Музей Ван Гога, Амстердам

«Это маска плохо одетого и сильного головореза, подобно Жану Вальжану обладающего своего рода благородством и внутренней добротой. Горячая кровь пульсирует в его лице, а тона пылающего горна, которые окружают глаза, означают раскаленную лаву, кипящую в душе художника. Рисунок глаза и носа, напоминает цветы персидского ковра, подводит к абстрактному и современному искусству. Нежный фон с детскими цветами – обои для девичьей комнаты – сделан для того, чтобы подчеркнуть нашу артистическую девственность. А этот Жан Вальжан, сильный и любящий, но преследуемый обществом и поставленный вне закона, разве он не олицетворяет также образ импрессиониста наших дней? Написав его и придав ему сходство с собой, я посылаю тебе не только свой портрет, но и портрет всех нас, несчастных жертв общества, которые за зло платят добром» (1).

В этих словах с подкупающей прямотой непрекращающейся внутренней рисовки бунтарь Гоген комментирует свою очередную художественную маску. Сам же холст продолжает давнюю европейскую традицию «артистического» автопортрета, в котором всегда (но в разных пропорциях) смешивались художественный вызов и художественная поза: достаточно вспомнить знаменитые автопортреты не менее искушенных артистов – Дюрера (1500) и Ван Дейка (конец 1620-х – начало 1630-х).

Альбрехт Дюрер. Автопортрет. 1500. Дерево, масло, 67х49. Старая Пинакотека, Мюнхен

Антонис Ван Дейк. Автопортрет. Конец 1620-х - начало 1630-х. Холст, масло, 116,5х99,5. Государственный Эрмитаж

Полностью здесь: http://1-9-6-3.livejournal.com/252481.html

«Ассамбля́ж» — происхождение и значение слова

Термин возник от французского assemblage — «соединение», «монтаж». Его ввел художник Жан Дюбюффе в 1950-х годах. При этом сами произведения подобного жанра появились задолго до самого термина: в 1910-х годах похожие объекты создавали кубисты и художники русского авангарда.

В Европе родоначальником ассамбляжа считают Пабло Пикассо. Он одним из первых включил в живописные полотна обрывки веревок и куски дерева. В отечественном искусстве специалисты выделяют Владимира Татлина, который в 1910-х годах начал монтировать композиции из кусков металла, досок, стекла. Схожие с ассамбляжами произведения создавали и его современники — например, Давид Бурлюк и Иван Пуни. Одна из работ Давида Бурлюка 1917 года сегодня носит название «Ассамбляж с серпом».

Ключевым художником этого направления искусствоведы называют американца Джозефа Корнелла. В середине ХХ века он скупал в небольших лавочках разные предметы: склянки, фигурки, шарики — и комбинировал их с вырезками из журналов и старыми фотографиями. Композиции мастер размещал в специальных коробках, напоминающих детские «секретики». Каждый ящик создавал сюрреалистичный образ на темы путешествий, космоса, прошедших эпох.

В России с середины ХХ века в технике ассамбляж работали Сергей Параджанов, Анатолий Брусиловский, Теодор Тэжик.

Современные художники продолжают активно развивать это направление. Работы зачастую монтируют буквально из мусора: в ход идут поврежденные детали автомобилей, пластмассовые руки кукол, крышки от бутылок, резиновые грелки, перчатки и многое другое. Часто такие произведения становятся ироничным протестом против общества потребления и узости восприятия мира.

Ассамбляж довольно близок к другой форме современного искусства — инсталляции. Отличает их то, что ассамбляж — это смонтированный воедино объект, в то время как инсталляция может состоять из нескольких частей, которые взаимодействуют друг с другом в пространстве.

зачем художники создают произведения искусства?

После того, как у меня на блоге с успехом прошел опрос о мотивах покупки произведений современного искусства, мне стало любопытно узнать общественное мнение о том, а зачем художники эти самые произведения создают, ну и, конечно же, очень хотелось сопоставить результаты исследования...

Но давайте по порядку. У меня сложилось впечатление, что мой блог посещают преимущественно художники или лица, сочувствующие таковым. Во всяком случае, мои читатели очень уважительно относятся к нелегкому труду артиста, хотя в большинстве случаев его труд и за труд-то не почитается. Ну с шахтером или рельсоукладчиком все понятно: результаты его профессиональной деятельности всем видны, а вот работа изящных дел мастера, как и служба мента — на первый взгляд как будто не видна... Подумаешь, красками в свое удовольствие помазал — дети в детском саду это задаром делают...

  • Итак, художники творят, потому что не могут жить иначе! Так считают 44% участников опроса.
  • Вдогонку бегут еще 30% респондентов, утверждающих, что основным мотивом креативной деятельности означенных тружеников кисти и мастихина является желание поведать миру о своих мыслях и переживаниях. С этим тезисом я просто вынужден согласиться, поскольку по себе знаю это наверняка: стремление поделиться с людьми своими раздумьями и чувствами у меня лично всегда борется с желанием получить как можно больше денег за свою работу. Разумеется, я имею в виду исключительно борьбу за первенство в шкале причин и приоритетов, заставляющих меня заниматься творчеством.
  • Удивительно, что при этом настоящие художники вовсе не хотят внести вклад в культуру, или хоть как-то повлиять на умы людей. Вероятно, это получается у них само собой, без малейшего на то желания. Редкое исключение, по мнению читателей, принявших участие в анкетировании, составляют всего лишь 4% творцов — этаких демиургов, сознательно стремящихся внушать толпе светлые идеи прогресса и процветания.
  • 11% художников стремятся к славе и богатству.
  • Еще 8% желают бросить свой талант, данный Богом, на алтарь себялюбия. Своей артистической деятельностью они только выпячивают свое "Я" — и более ничего. На мой взгляд, эта цифра несколько занижена. Во всяком случае, мне всегда казалось, что таких малеров, которые упиваются собственной исключительностью, гениальностью и избранностью, гораздо больше, — если вообще не большинство. Однако результаты опроса есть результаты опроса: тут уж ничего не попишешь.
  • Да, чуть не забыл, еще 2% хотят исключительно показывать свою крутизну. То есть крутизна ради крутизны. Этих друзей можно смело приплюсовать к предыдущим.
  • Оказывается быть художником теперь становится модно, или как сейчас говорят — есть такой тренд. Ради этого мажут красками и ваяют уже 5% солдат неисчислимой армии изящных искусств. Маловато, конечно, но лиха беда начало!
  • А теперь — самое веселое. На десерт, так сказать... 19% художников (почти каждый пятый) вообще не знают, зачем они этим занимаются. Во всяком случае, так считает почтеннейшая публика. А теперь позволю себе любопытное сравнение с данными предыдущего опроса. Напомню, что 28% покупателей современного искусства (почти каждый третий) также не знают, зачем они это делают. Прямо страна дураков какая-то, словно все живут, как заведенные, по некой программе, смысл которой всеми уже давно позабыт. Вспоминается старый бородатый анекдот о том, как работают два мужика в парке. Один копает ямки, а другой идет следом и закапывает. Комиссия спрашивает: "Что за ерунда такая?" А прораб отвечает: "Да у них был еще третий, который деревья сажал, но сегодня он заболел"...
Подробнее с результатами опроса о причинах покупки современного искусства можно ознакомиться ЗДЕСЬ. Милости прошу.

ИСКУССТВенный развод - PEOPLETALK

Аркадий Поляк (64) − продюсер, сценарист, футуролог и публицист. В 90-х был известен как автор проекта «Колесо истории», продолжает занятия футурологией и просветительством. Каждую неделю в рамках рубрики «Чтение в среду» публикует короткие заметки на PEOPLETALK.


В СССР мы хоть и были отрезаны от всего мира, но не являлись такими наивными людьми, которым можно всучить все что угодно! Мы с детства знали, что практически все «измы» в искусстве — формализм, не имеющий никакого отношения к творчеству! Разница лишь в том, что эти «произведения» иногда создают художники, но чаще всего авантюристы и фармазоны! В новой России, где рухнуло все, включая широкое гуманитарное образование, уже не одно поколение молодых людей искренне считают всякую лабуду произведениями искусства! До XX века заказчики не считали произведения искусства товаром, они заказывали его для украшения своих жилищ.Рынок произведений искусства появился в начале XX века.

Но для массовой торговли их было очень мало! Для развития торговли необходим маркетинг и ассортимент. Самый лучший маркетинг — скандал. Все необходимые участники рынка к тому времени уже были: СМИ, критики и торговцы. Критики необходимы для того, чтобы «объяснять» буржуа, что перед ними шедевр! У любого человека есть внутренний камертон, которым он чувствует прекрасное! А что может чувствовать человек при виде бессмысленного нагромождения клякс, линий или предметов?! Ничего!

Тут-то критик и намекает буржуа, что тот — неотесанный болван, который ничего не понимает в искусстве и не может оценить гениальность замысла художника! При возникновении каждого нового «изма» появлялась заумная теория, которую тиражировали СМИ. Но главное для создания бренда — скандал! Так Пикассо из выдающегося художника нежнейших «голубого» и «розового» периодов превратился в непонятного, но прекрасно продаваемого кубиста! Пикассо не был бабником, но у него было несколько серьезных романов. И он рисовал своих возлюбленных в нежнейшей реалистической манере, а для бизнеса продолжал клепать устрашающих кубических уродиц!

А в 1918 году на выставке в Нью-Йорке Марсель Дюшан выставил писсуар, назвав его «Фонтаном». Появилось направление, названное дадаизмом, которое определило вектор развития западного «искусства» на много десятилетий!

В России же все началось с двух выставок в 1912 году, когда группа художников во главе с Ларионовым и Гончаровой отделилась от «Бубнового валета» и стала «Ослиным хвостом». Они назвали себя кубофутуристами. В это объединение входили: Малевич, Татлин, Шагал, Розанова…

Зрители, пришедшие посмотреть на произведения искусства, увидев странный набор пятен и геометрических фигур, были неприятно удивлены. Разразился неслыханный скандал, и Россия вступила в эру модернизма! Через три года на выставке супрематистов в углу, на месте, где обычно висела икона, красовался «Черный квадрат» Малевича. Малевич сказал тогда, что это не живопись, это нечто другое! «Черный квадрат» накрывал гроб классического реалистического искусства и положил начало культурной деградации человечества!

Художник, на мой взгляд, является разрушителем. Он должен разрушить мое представление об окружающем мире. Чем масштабнее разрушения, тем значительнее художник! Нет разрушений — нет художника и нет искусства! Очень простое и гениальное определение художника дала Татьяна Толстая: «Художник — человек, способный приподняться на носках и увидеть то за пределами видимого мира, что не видят остальные люди»! Но ведь нужно это еще передать, причем пронзительно чувственным образом?! Для этого необходим талант, помноженный на труд, плюс серьезное культурологическое образование! А что могут дать нам почувствовать создатели «измов»?!

Бедным художником, жертвующим всем ради утверждения своих эстетических воззрений, быть сегодня позорно! Художник сегодня должен быть богатым и успешным любой ценой! Когда-то в молодости мне попалась студенческая работа Боба Раушенберга — «Автопортрет в треснувшем зеркале». Это был шедевр молодого, но выдающегося мастера! Такого Раушенберга не знает никто! 

Все знают его как основателя американского поп-арта, прибивающего к измазанному холсту автопокрышки и галстуки. Он наряду с Джаспером Джонсом, Хелен Франкенталер, Фрэнком Стеллой, Энди Уорхолом, Класом Олденбургом и другими подвел черту под 200-летней историей американского классического искусства! Зато их «шедевры» продаются за десятки миллионов долларов! Дальше всех пошел Энди Уорхол, который мочился на шелк и продавал это за астрономические деньги! Продается не произведение искусства, а бренд! Но это я все-таки о художниках, ставших коммерсантами! Кстати, тот же Марсель Дюшан после усталости от дадаизма стал вполне себе неплохим сюрреалистом. Но художников сегодня подавляющее меньшинство! Большинство же нынешних культовых художников — проходимцы, которые под прицелом автомата не смогут нарисовать даже зайчика! Самый яркий пример таких проходимцев — англичанин Дэмьен Херст.

В 1990 году он за 5000 долларов купил на Шри-Ланке мертвую акулу. Привез ее в Лондон, поместил в стеклянный куб с формальдегидом и дал ей название: «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Заумное название — один из главных инструментов успеха. Потом Херст продал сей шедевр за… 12 000 000 долларов. Этот бездарный авантюрист является сейчас гуру современной живописи! Его «творения» стоят уже за 100 миллионов долларов и «украшают» залы самых известных музеев мира! Все мировые выставки и аукционы сплошь состоят из подобных «произведений искусства». Сегодня настоящая живопись еще визуально воспринимается, но уже очень давно не воспроизводится! Так давайте не будем уподобляться мещанам, пусть и сказочно богатым, которым критики через СМИ рассказывают заумные байки и впаривают за баснословные деньги всякую лабуду, не стоящую ничего и истребляющую внутренний мир человека!
Не разрушайтесь личностно, слушайте только свой душевный камертон и наслаждайтесь прекрасным, материальные памятники которого варвары еще не уничтожили!

Кто такой художник?

"На самом деле сила таланта может быть у двух художников одинакова, а различна только сфера их деятельности. Мы, однако, никогда не согласимся с тем, что поэт, использующий свой талант для образцовых описаний листьев и ручьев, мог бы иметь тот же смысл, что и у художника, который с такой же силой таланта может воссоздать, например, явления общественной жизни».

Понятие художника определяется как «лицо, создающее (изготовляющее) материальные объекты или нематериальные произведения, обладающие характеристиками произведения искусства.Художник-творец отличается от мастера-исполнителя тем, что создает свои произведения на основе собственного замысла, придавая им неповторимый характер. Художником может быть каждый, независимо от степени профессионализма в искусстве. В зависимости от вида творчества, независимо от того, профессионально оно выполняется или нет, у художника будет имя, связанное с его специальностью, например: художник-визуалист, художник-музыкант». Термин «художник» изменил свое историческое значение, и мы до сих пор наблюдаем его постоянную трансформацию, что свидетельствует о недостаточной приспособленности энциклопедического определения к определяемому им понятию.

В формуле самой книги проступают четкие деления художественной среды. Эти подразделения также подтверждаются в их публикациях Натали Муро и Домиником Саго-Дювору, перечисляющими четыре основные категории. Первая – это «комплексные профессионалы», точно знающие правила и правила передвижения в окружающей среде и полностью ими пользующиеся. Другой — «наивные художники», которые не функционируют в сообществе и полностью отвергают все правила. Они увлечены искусством, но их нет в обращении, но это не значит, что их искусство не имеет публики.«Фрилансеры» — это художники, признанные официальными учреждениями, хотя и не выражающие желания приспосабливаться к господствующим на рынке правилам. Они часто зарабатывают на жизнь преподаванием или закупками в государственных учреждениях. Последнюю и самую многочисленную группу составляют художники, чьи работы часто продаются на художественных аукционах.

К художникам долгое время относились как к мастерам, которые должны подчиняться четко определенным, обязательным иконографическим принципам.Они производили только предметы декоративной ценности, прежде всего от них требовалась высокая ловкость рук. Со временем они осознали свой художественный смысл и индивидуализм. Художник был уже не торговцем низшего звена, а знающим человеком с врожденным чувством прекрасного и вкуса. Эти изменения изменили отношения между художником и сообщением. Именно это сообщение является неотъемлемым компонентом ранга и положения художника на рынке искусства, которое классифицирует его и помещает в вышеперечисленные категории.Это приводит к тому, что фигура художника подчеркивает его принадлежность к определенному классу и указывает на его институциональность и запутанность в механизмах социально-экономических разделений.

.90 000 Сколько стоит произведение искусства - Art

Работы польских художников уже достигли более высоких цен — например, «Счетные картины» Романа Опалки (500–600 тысяч злотых).евро) или скульптуры Алины Шапочников (до 700 000 евро). Но в случае с этими двумя картинами Геровского и Кантора произошло знаменательное – они нашли покупателей по ценам, более чем в два раза превышающим аналогичные работы этих художников.

Каждый арт-дилер скажет вам, что оценка произведения искусства определяется не только эстетическими ценностями, но и его происхождением и историей выставок.Так было и на этот раз.

История начинается в 1958 году, когда МакКрей, куратор ЦРУ знаменитого музея МоМА, посещает Варшаву и ему приходит в голову идея показать увиденное на нескольких столичных выставках также в Нью-Йорке.И таким образом доказать местной интеллигенции, что Польша, хотя и за железным занавесом, принимает участие в европейской художественной революции.

В MoMA МакКрей поручает проект Питеру Селцу.Он дважды посещает Польшу и вместе с переводчиком и фотографом совершает паломничество из одной студии в другую. Художники, видя в Зельце шанс выйти на западный рынок, предлагают свои лучшие картины.

В то же время Зельц пытается наладить сотрудничество с Министерством культуры, чтобы получить разрешение на создание выставки польского авангардного искусства в США.Чиновники PRL предлагают группу «проверенных» и «своих» художников-социалистов-реалистов.

Зельц реагирует бескомпромиссно.Он возвращается в Нью-Йорк и разрабатывает план на случай непредвиденных обстоятельств. Итак, в 1961 году польские художники продают картины, отобранные Зельцем, трем избранным американским владельцам галерей, и MoMA берет их взаймы. Власти Польской Народной Республики против стены решают ни блокировать выставку, ни преследовать причастных к ней художников. Чтобы договориться с Зельцем, польский консул даже покупает для открытия несколько ящиков водки.

И открытие, и выставка «15 польских художников» имели ошеломляющий успех.Самые важные нью-йоркские издания пишут о поляках. Галереи, которые уже подписали контракты с художниками, потирают руки, а поляки начинают мечтать о международной карьере.

Выставка открывает американские успехи Лебенштейна, Фангора, Бжозовского и Кантора.В 1961 году в Нью-Йорке было представлено 75 картин. Некоторые из них сегодня находятся в музейных собраниях, некоторые остались в Штатах, они попали к самым значимым американским коллекционерам – в т.ч. Клан Рокфеллеров, немногие вернулись в Польшу. Появление любого из них на арт-рынке будоражит коллекционеров.

Поэтому цены, недавно полученные композициями Кантора и Геровского, не должны вызывать удивления.Покупая их картины, кто-то приобретал не только великолепную картину, но и частичку истории мирового арт-рынка на фоне Польши.

.90 000 Художник, искусство, творчество, талант Как стать художником и начать творить?

Как стать художником и начать творить? Несколько субъективных слов о: искусстве, творчестве, божественном вдохновении и таланте. Я постараюсь не заскучать, так что если вы всегда хотели быть художником, но не имели никакого таланта, этот текст может быть вам интересен.

Искусство, творчество, божественное вдохновение и талант.В начале хотелось бы подчеркнуть, что мой пост основан на личном опыте, наблюдениях, но иногда я буду авторитетно подкреплять свои взгляды.Вы можете не согласиться со мной. Может у вас как у художника другие взгляды - более академические и это нормально, вы имеете право, как и я, иметь совершенно другой подход к предмету искусства и быть художником. И в точку. Каждый ли может стать художником? Все ли, независимо от навыков, образования, опыта, т.н. талант может быть художником? Конечно да, но, может быть, сначала давайте проверим определение слова художник.

" Художник (лат. ars дн. Artis 'искусство') - лицо, создающее (производящее) материальные предметы или нематериальные произведения, обладающие признаками произведения искусства.Художник-творец отличается от мастера-исполнителя тем, что создает свои произведения на основе собственного замысла, придавая им неповторимый характер. Благодаря этому работы известных художников распознаются без необходимости видеть их подписи. Художники могут, однако, творить на основе стилистических условностей (например, литературных условностей), придавая своим произведениям общие черты, позволяющие отнести их, например, к тому или иному стилю, художественному направлению или эпохе. «художественное мастерство» или «прикладное искусство».Художником может быть каждый, независимо от степени профессионализма в занятиях каким-либо искусством. В зависимости от вида творчества, независимо от того, выполняется оно профессионально или нет, у художника будет имя, связанное с его специальностью, например, художник-визуалист, музыкант." (Источник - Википедия)

А теперь углубимся в выражение - произведение искусства...

«Произведение искусства — комплексное и синтетическое художественное произведение со специфическим смыслом, характеризующееся высокими эстетическими ценностями (красотой).Помимо эстетической функции, он может выполнять и другие функции (например, образовательную, познавательную, функциональную или религиозную). Его создатель - человек - существо, наделенное специфической чувствительностью (без автора нет произведения искусства). Этот продукт пытается показать определенную физическую или ментальную реальность (содержание), используя определенную условность (форму). Произведение искусства устанавливает особое понимание видимого или эмоционального мира, которое может быть результатом философских размышлений автора или спонтанной реакцией момента.(Источник - Википедия)

Ну, дамы и господа, теперь давайте рассмотрим, что такое высокая художественная ценность… .. А вот и лестница. В связи с тем, что в современном мире, где каждый понимает искусство по-своему и это совершенно очевидно, невозможно однозначно оценить, что это за ценности именно. Потому что для одного получателя данной работы - конкретные значения будут высокими, а другой получатель оценит их как средние. Сколько получателей, столько и мнений. Он очень подвижен, и с момента зарождения художественного авангарда в начале 20 века эти понятия были очень динамичны.И здесь стоит поблагодарить художников-авангардистов, ибо они освободили искусство от оков академизма.

Академизм - направление в европейском искусстве, развивавшееся с 17 по 19 века, преимущественно в живописи и скульптуре. Он заключался в обращении к принципам и идеалам античного и ренессансного искусства, а также в подражании произведениям, считавшимся совершенными, отдавая предпочтение историческим, религиозным и мифологическим темам. В основном продвигается академиями изящных искусств.

В просторечии: художественная условность, характеризующаяся условной правильностью формы при отказе от спонтанного выражения.В 19 веке начали возникать конституционные демократии, и промышленная революция продолжалась. Важную роль стали играть города и их жители. Таким образом, изменился статус художников – они перестали быть придворными, а главными покупателями и получателями их картин стали горожане. Высшие художественные школы, т. н. академии. Утверждалось, что природу надо совершенствовать, а творчество связывать с вдохновением историческими произведениями.По мнению академических педагогов, искусству можно научиться, но нужно иметь хорошее вдохновение.Художник должен уметь исправлять природу. Поэтому академики сначала учились рисованию, копируя работы мастеров (таких, как Рафаэль Санти), затем учились рисовать с античных и ренессансных скульптур и только, наконец, раскрашивали живые модели. (Вики)

На рубеже 19 и 20 веков на борту вспыхнул бунт. Стали возникать различные, проклятые названными движениями и художественными направлениями:

  • Экспрессионизм
  • Футуризм
  • Кубизм
  • Дадаизм
  • Сюрреализм
  • Фаувизм
  • Конструктивизм
  • . : Винсент Ван Гог, Эдвард Мунк, Поль Гоген, Поль Сезанн, Анри Матисс, Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, Сальвадор Дали и многие другие интересные художники, в том числе и те, которые сегодня делают перья в салонах и галереях.И часто на этом зарабатывают. Бикоз дорогой не?

    Именно благодаря их мужеству и нарушению условностей эта сфера жизни, которой является художественное творчество, сегодня является свободной и независимой сферой. И каждый, независимо от образования, навыков или предрасположенностей, может творить. Он может найти свою аудиторию и даже сделать это поле своим рабочим местом. И это прекрасно.

    Теперь рассмотрим термин «творчество».

    -Творчество (творческое отношение; от лат.creatus «творческий») — психический процесс, связанный с возникновением новых идей, понятий или новых ассоциаций, связей с уже существующими представлениями и понятиями. Креативное мышление – это мышление, ведущее к оригинальным и правильным решениям. Альтернативное, более повседневное определение креативности состоит в том, что это просто способность создавать что-то новое. Интуитивно простое явление творчества на самом деле представляет собой очень сложный процесс. Он изучался с точки зрения поведенческой психологии, социальной психологии, когнитивной нейропсихологии, искусственного интеллекта, философии, истории, экономики и бизнеса и других.Исследование охватило творчество в повседневной жизни, исключительное, выдающееся и даже искусственное творчество. В отличие от многих других явлений, в науке нет единого универсального авторитетного определения творчества. Точно так же в психологии нет стандартных методов измерения креативности. В психологической литературе существует более 60 различных определений креативности. Креативность – это навык, которому можно научиться и развить. "(Википедия)

    Ну это- можно развить и есть много статей, книг, обучающих семинаров на эту тему.Вы можете прочитать об этом и начать развивать свое творчество.

    Теперь сосредоточимся на слове "талант" . У меня лично мурашки по коже, когда я слышу- но ты талантлив!. Так что же это за волшебный талант , именуемый высокой искрой Божией? «Талант (лат. Talentum от греческого τάλαντον tálanton — вес) — крупнейшая единица измерения массы и денег, использовавшаяся в древности (в Ассирии, Вавилонии, Древней Греции и Палестине). (Википедия)
    И Иисус Христос тоже говорил о талантах.«Также [с Царствием Небесным] как с неким человеком, который, собираясь отправиться в путь, созвал своих слуг и передал им свое состояние. Одному он дал пять талантов, другому два, третьему один, каждому по силе его, и ушел. Тотчас же тот, кто получил пять талантов, пошел, обратил их и приобрел остальные пять. Точно так же и тот, кто получил два; он также получил вторые два. А получивший пошел и, вскопав землю, спрятал деньги господина своего». (Мф 25:14-30).

    Честно говоря, я мог бы закончить на этом месте, потому что этот фрагмент прекрасно резюмирует всю тему 😉

    Википедия, напротив, пишет: «Одаренность (талантливость) — врожденные или приобретенные предрасположенности в интеллектуальной, моторной или художественной сфере, которые проявляются в уровне навыков в данной области выше среднего или способности к ее изучению быстро. "

    Согласно словарю польского языка PWN, талант – это выдающийся талант к чему-либо.Ух ты! Выдающийся…. Мне вот только интересно, откуда эта выдаемость...? Мы действительно рождаемся с этим? Или, может быть, мы покупаем? Может быть, на это влияет среда, в которой мы выросли, подход наших родителей, учителей, коллег, то, что мы слышали вокруг себя. А может быть, талант – это просто способность быстрее осваивать данную область, обусловленная: - генетической предрасположенностью, строением нервной системы, нашим темпераментом, сенсорной чувствительностью, общим физическим и психическим здоровьем?

    Я думаю, что все эти причины верны.Считать, что мы рождены с талантом, игнорирование других аспектов очень обманчиво… На мой взгляд, это даже опасно для нашей психики и для нашего развития. Но об этом в другой части этих рассуждений.

    До сих пор мы сосредоточились на определениях, значении понятий, мы задавали вопросы. Я не хочу перегружать вас слишком длинным постом. Так что приглашаю вас ко второй части, в которой я остановлюсь в том числе и на том, насколько опасна вера в талант. К чему это может привести и откуда берется эта любовь к таинственной искре Божией?

    .

    Цифровая графика - Art in House Art Gallery

    Цифровая графика - Art in House Art Gallery

    Это техника создания произведений искусства с помощью программ цифровой графики. Как отдельное направление в искусстве оно появилось в 1980-х годах.Как и в традиционной живописи, она требует соответствующих навыков; в данном случае, однако, они относятся к хорошему знанию графических программ, в которых художник создает свои произведения. Ценность работ, выполненных в этой технике, с точки зрения коллекционера гарантируется ограниченным тиражом, подписанным художником. Некоторые из них печатают только один уникальный экземпляр. Конечный эффект во многом зависит от типа бумаги и красителей, используемых для печати; важны условия хранения для работы, не приемлющие солнечные лучи и влагу.Среди польских художников цифровой графикой занимались Здислав Бексиньский (все еще остающийся в мрачной атмосфере своей живописи), Моника Сойка, Наталья Романюк и Гжегож Хойнацкий. На западной сцене набирает популярность художественное трио Obvious Art, продающее свои портреты, созданные с помощью графических программ, в крупнейших аукционных домах мира.


    Цифровая графика - произведения и картины на наших аукционах


    Цифровая графика - Работы и рисунки в нашей галерее

    Цифровое искусство, Бумага, 68 см x 48 см

    Прочее, цифровая графика, бумага, 70 см x 50 см

    Цифровое искусство, Другое, Бумага, 70 см x 50 см

    Цифровое искусство, Бумага, 70 см x 50 см

    Цифровая работа, Бумага, 30 см x 40 см

    Прочее, цифровая графика, бумага, 70 см x 50 см

    Цифровое искусство, Бумага, 40 см x 30 см

    Цифровая работа, Бумага, 80 см x 60 см

    9-й аукцион современной классики

    Стартовая цена 90 030 1 000 злотых

    Оценка 90 030 1 500 - 2 000 PLN 90 031

    Цифровая работа, Бумага, 100 см x 70 см

    Цифровая работа, Бумага, 100 см x 70 см

    Цифровая работа, Бумага, 100 см x 70 см

    Цифровая работа, Бумага, 100 см x 70 см

    Цифровая работа, Бумага, 100 см x 70 см

    Цифровое искусство, Бумага, 40 см x 30 см

    Цифровое искусство, Бумага, 40 см x 30 см

    Цифровое искусство, Бумага, 40 см x 30 см

    Цифровая работа, Бумага, 80 см x 80 см

    Цифровое искусство, Бумага, 60 см x 80 см

    Цифровое искусство, Бумага, 60 см x 80 см

    Цифровое искусство, Бумага, 60 см x 80 см

    ПОДОЖДИТЕ

    ×

    Обратите внимание, что для оптимизации контента, доступного на нашем веб-сайте, и адаптации его к вашим индивидуальным потребностям мы используем информацию, сохраненную с помощью файлов cookie на устройствах конечных пользователей.Пользователь может управлять файлами cookie через настройки своего веб-браузера. Продолжая использовать наш веб-сайт без изменения настроек браузера, пользователь соглашается с использованием файлов cookie.

    .

    ERGO Hestia создает новую коммуникационную стратегию с польскими художниками

    Новая коммуникационная стратегия сопотского страховщика представляет собой концепцию, основанную на фотографиях, сделанных польскими фотографами. В изображениях и продуктах мы увидим, среди прочего, работы такие художники, как Александр Малаховский, Раймунд Барнас, Войцех Радваньский, Витольд Земек или Павел Магнус.

    «Сколько я себя помню, ERGO Hestia, помимо страхового сектора, сильно фокусируется на искусстве и поддержке молодых художников, поэтому, на мой взгляд, нынешнее общение, посвященное искусству, является естественным продолжением этой деятельности и Я рад быть частью этого, - говорит Александр Малаховский, Hashtagalek.- Кроме того, у меня есть ощущение, что успех коммерческого и художественного проекта зависит не только от творца, но и от клиента и взаимного доверия, а эти факторы являются неотъемлемой частью сотрудничества с ERGO Hestia. И в первом проекте, и в последнем, и во всех промежуточных мне была предоставлена ​​полная свобода действий и кредит доверия. Как художник я чувствовал себя полностью понятым и поэтому с гордостью смотрю на работу, проделанную для текущей кампании, и с нетерпением жду следующих шагов!» - добавляет Александр Малаховский.

    «Первое, что бросилось в глаза, это подпись автора под каждой опубликованной фотографией. Такая практика встречается крайне редко и, несомненно, является очень красивым жестом. Мои работы оформлены в хорошем стиле и соответствуют текстовой части. Если в подготовленном посте есть второе фото, то оно очень удачно подобрано. По мере публикации последующих работ оказалось, что я вхожу в очень почетную группу, и к сотрудничеству было приглашено много интересных художников», — говорит Войцех Радванский.

    «Я в восторге и благодарен ERGO Hestia за многолетнюю поддержку польских художников. Она показала это, создав проект >> Художественное путешествие Гестии <<, а теперь закрепила его блестящей стратегией визуальной коммуникации, основанной на работах меня и других именитых художников. Для меня это честь», — говорит Витольд Земек.

    Креативная концепция ERGO Hestia была основана на художественных и в то же время редких в онлайн-маркетинге форматах, целью которых является не только продвижение бренда и продуктов, предлагаемых ERGO Hestia, но и интригование и вовлечение пользователей Интернета, так же, как произведения искусства.

    «Мы хотели, чтобы деятельность ERGO Hestia в области интернет-маркетинга соответствовала нашим ценностям, нашей страсти к искусству, развитие которого мы с большим энтузиазмом поддерживаем в течение 20 лет посредством различных мероприятий в области корпоративной социальной ответственности. Теперь это обязательство включает в себя и нашу маркетинговую деятельность, — объясняет Мария Роза, директор по интернет-маркетингу ERGO Hestia. - Благодаря новой визуальной идентификации мы уходим от одноразовых, исчезающих форматов.Мы придаем нашему общению выражение, где важны не только эстетические ценности, но и мировоззренческие ценности», — добавляет Мария Роза.

    Креативы, используемые в новой линии связи, были разработаны командой интернет-маркетинга ERGO Hestia совместно с агентством Accenture. В творениях ERGO Hestia используются работы различных польских художников. В общении вместо обычно используемой графики будет, например. художественные фотографии.

    Новая стратегия онлайн-коммуникации соответствует ценностям компании, таким как многолетняя поддержка талантливых авторов через такие конкурсы, какHestia's Artistic Journey, благодаря которому победители получают шанс на проживание в крупнейших арт-центрах мира или высокую социальную ответственность, и подчеркивает характерные черты бренда — простоту, современность и отзывчивость.

    ERGO Hestia уже более 20 лет реализует обширную программу меценатства в области культуры и искусства. В области изобразительного искусства он сотрудничает, среди прочего с наиболее важными учреждениями, занимающимися современным искусством в стране и за рубежом. Он также работает над продвижением польских художников, отличившихся в двадцати выпусках конкурса Hestia Artistic Journey.В прошлом году ERGO Hestia временно предоставила Национальному музею в Варшаве коллекцию картин мастеров голландской и фламандской живописи XVII века. С 2021 года Фонд APH также проводит конкурс Hestia Literary Journey для авторов классических литературных форм, опубликованных в Польше и созданных на польском языке, предназначенный для юных читателей.

    Источник информации: ERGO Hestia

    .

    Дизайнеры и художники создают с кодом

    Код

    . Он используется для создания интерактивных продуктов, услуг, новых форм коммуникации и искусства. От мебели, зданий, рекламы до инсталляции из гильз, провоцирующей размышления о войне, или скульптуры Микки Мауса, создающей музыку в ответ на окружающую среду. Авторы первых исследований творческого кодирования в Польше в Школе формы научат дизайнеров и художников использовать программирование в искусстве и дизайне. Intel является технологическим партнером исследований.

    Скачать пресс-пакет

    Что такое креативное кодирование?

    Если для программистов код является основным инструментом работы, то для современных творцов искусства, дизайна, предметов быта и услуг он становится эквивалентом кисти и стамески. - Я наблюдаю, как программирование становится востребованным дизайнерами навыком, и те, у кого он есть, имеют огромное преимущество на рынке труда, - говорит Веслав Бартковски, руководитель исследования и соавтор программы Creative Coding, интерактивный дизайнер и исследователь. сложных систем Школа Формы.— Мы покажем код как некий материал, позволяющий дизайнеру экспериментировать и формировать окружающую действительность, а художникам создавать уникальную мастерскую, позволяющую экспериментировать с новыми выразительными средствами, — добавляет он.

    Программирование успешно помогает дизайнерам создавать новые продукты, которые продаются на коммерческой основе и удовлетворяют потребности современного человека. В свою очередь, это позволяет художникам войти в новое измерение интерактивного искусства и реализации движущихся инсталляций.Примеры включают такие проекты, как члены группы Pan Generator, в которой мы также найдем соавторов и лекторов Creative Coding. Инсталляция «Мера мира» (Quantum of Peace) в Музее Варшавского восстания, награжденная Золотым львом на фестивале рекламы «Каннские львы 2016», или скульптура MickeyPhone по заказу Disney, которая вращается и собирает звуки из окружающей среды во взаимодействии с зрителей и превращает их в ритмичные мелодии.

    Создать портфолио

    Реализация студентами собственных проектов и формирование портфолио во время обучения является ключевым допущением программы Creative Coding.Никакого предыдущего опыта кодирования или цифрового производства не требуется. Внедрив с нуля вопросы кодинга в дизайне и искусстве, студенты под руководством опытных преподавателей будут реализовывать собственные проекты. В рамках FabLab, созданного совместно с технологическим партнером компании Intel, они будут осваивать методы создания конструктивных элементов и форм объектов с использованием кода и методов цифрового моделирования и производства (digital factory).

    - На творческом кодировании учащиеся «пачкают руки кодом».Благодаря решениям Intel они облачат этот код в технологии, превратив концепцию в проект, — говорит Кшиштоф Йонак, директор Intel в регионе ЦВЕ. Intel годами поддерживает потрясающие проекты на стыке технологий и искусства. Это первая область исследования такого типа в Польше, поэтому мы не могли ее пропустить, - добавляет он.

    Целью обучения творческому кодированию является обучение программированию выпускников факультетов искусства и дизайна, которые хотят расширить свою мастерскую за счет возможности творчески кодировать и использовать технологии в дизайне, а также художников, дизайнеров или сотрудников интерактивных агентств, которые хотят расширить свои мастер-класс по новым медиа или дизайну.Выпускники смогут создавать собственные технологии и использовать их, например, для конструирования интерактивных рекламных сообщений, объектов, инсталляций или экспериментальных продуктов.

    Поделиться этой страницей: .

    Формирование цены на работу - очень сложный процесс

    Инвестиции в работы молодого, перспективного художника сравнимы с инвестициями в развивающуюся зарегистрированную на бирже компанию.

    Давно известно, что наш арт-рынок находится в стадии развития. Также известно, что правила игры не всегда прозрачны. И галеристы, и сами художники не всегда справедливы друг к другу. Некоторые имеют задолженность по платежам, а другие, несмотря на предыдущие договоренности, продают прямо из студии.Кроме того, есть еще и третий игрок — коллекционер.

    - В Польше, к сожалению, до сих пор очень часто происходит то, чего на развитом западном арт-рынке просто нет - коллекционеры сознательно избегают посредников и из экономии или желания поискать сами идут к художнику напрямую. А художник… ну, он должен зарабатывать на жизнь. Однако это очень настораживает — дело не только в несогласованности цен на рынке — ведь у молодых художников эти суммы не велики и не могут быть большими. Речь идет о самом ценном, а именно об отношениях.Галерея прекращает инвестировать, и коллекционеры вскоре забывают о художнице, говорит Магдалена Мельницкая, владелица Wrocław mia Art Gallery, автор впечатляющих выставок работ Магдалены Абаканович, недавно прошедших в галерее Old Mine в Валбжихе.

    На примере этого выдающегося художника стоит представить бурные 1950-е годы, в которые жил и работал Абаканович. Будучи студенткой, она сдавала кровь, чтобы хранить счета. Ее всемирно известные абаканы - гигантские ткани изготавливались на десятом этаже в одном помещении.Она ходила на Вислу, собирала старые веревки, вытягивала нити, красила их и плела. Абаканы можно было сложить в небольшой пакет, чтобы они поместились в блок-элеватор. Ей посчастливилось участвовать во встречах в крошечной квартирке Генрика Стажевского. Она слушала дискуссии самых сильных мыслителей, поэтов и художников того времени, делая собственные выводы. Это была лучшая школа. Очевидно, что каждое последующее поколение отличается от предыдущего.

    Обстоятельства создания и технологические возможности меняются, особенно в эпоху Интернета.По словам Магдалены Мельницкой, современный молодой художник завален помойкой кажущихся вдохновений, он ищет многослойного содержания, его торпедируют тренды, успехи и поиск других. Он смешивает инстаграм со студией, преформинг с эксгибиционизмом. Он любит и хочет жить хорошо и комфортно. В мастерских достаточно тепло, краски есть, бумага и холст - само собой. И в этом нет ничего плохого. Остаются простые вопросы: быть художником по-прежнему считается призванием только избранных?Это все еще миссия? Является ли истина важнейшим вызовом в искусстве, честность по отношению к собственным поискам, внутреннему развитию художника? Что привносит современное искусство в жизнь обычного человека?

    Камиль Кукла "17WAM" 2017, масло, холст, 140 × 120 см, предоставлено Galeria m2

    pieniadze.rp.pl

    Агент нужен срочно

    Ежегодно несколько тысяч выпускников художественных академий. Кроме таланта, счастья, нужен дилер, куратор, агент, который позаботится об их будущем в институциональном и рыночном контексте.

    - Даже самый талантливый художник без интереса кураторов, искусствоведов, галеристов не сможет появиться в мире искусства. Именно присутствие художника на важных институциональных выставках, его индивидуальные показы в крупных галереях, представление его работ на ярмарках, изданные каталоги, победы на престижных художественных конкурсах или приобретение его работ для серьезных коллекций создают устойчивое положение художника. говорит Каролина Новак-Сарбинска, Art Advisory.

    Стабильное положение отражается на ценах на работы сейчас и в будущем.Если мы решим купить картину молодого, перспективного художника, такое вложение следует сравнить с вложением денег в развивающуюся зарегистрированную на бирже компанию. Может быть, мы заработаем много, может быть, ничего.

    - Я наблюдаю за рынком более 15 лет и, на мой взгляд, можно прогнозировать, что если молодой художник начнет эксклюзивное сотрудничество с галереей первичного рынка, цены на его работы вырастут вдвое. К сожалению, это увеличение стоимости не всегда приводит к ликвидности этих инвестиций. Я рекомендую своим клиентам минимальный горизонт инвестирования в семь лет в случае молодых художников.Поэтому всегда нужно покупать только те работы, которые вам нравятся, — добавляет Каролина Новак-Сарбинская.

    Время проверяет, была ли это просто мода на конкретного художника, или его талант действительно был признан и оценен. При условии, что он не изменяет на минор и последователен в своих действиях.

    Что касается участия в аукционах молодого искусства, которые проводят не только крупнейшие аукционные дома, такие как Desa Unicum или Sopocki Auction House, мнения разделились.Не все художники находят это полезным по разным причинам. Продвижением в основном занимаются галереи. По словам Лешека Чайки, владельца Визитной галереи в Варшаве, рынок уже не случаен.

    Для карьеры начинающих художников очень важно присутствие на галерейном рынке. Этот сдвиг в восприятии галереи как основного места продвижения художника является важным и уже очевидным элементом в процессе продвижения молодых художников. Многие из них ценят это сотрудничество.

    По словам Бартоша Кокосиньского, четырехкратного руководителя KMS, стоит сотрудничать с галереями, арт-дилерами и вообще добрыми специалистами, потому что ситуаций в организации выставок, продаж, сотрудничества с аукционными домами, соблюдения droit de sute много. , возмещение ущерба произведениям и десятки удивительных ситуаций, имеющих мало общего с творчеством. Сотрудничество одинаково важно для охвата аудитории вашей работой, но это более очевидная проблема.

    - Мы все ждем и ждем новый "Саснал". Попадание в мир искусства — сложный маркетинговый и медийный процесс, и быстро занять высокое положение непросто. Можно с уверенностью сказать, что без институциональной поддержки, помощи дилеров, критиков и кураторов даже у самого многообещающего таланта мало шансов.

    Искусство стало институционализированным. Наверное, поэтому слова «дилер» и «куратор» вызывают в некоторых кругах возмущение, отвергаются и осуждаются. Архаичная убежденность в уникальности и предназначении художника сталкивается здесь с вполне естественной потребностью в успехе и деньгах.

    Есть и четкая разделительная линия – критики – это те, кто не имеет выставок, не приглашен, не участвует в публичных мероприятиях, а те, кто сумел войти в художественный оборот, даже не принимая слишком строгих правил, подчиняются у них нет альтернативы, - говорит Павел Сосновский, Варшавская галерея пропаганды.

    Кого покупают

    Искусство поколения 90-х имеет хорошо зарекомендовавший себя бренд.

    - Такие художники, как Моника Сосновская, Павел Альтхамер или Анета Гжешиковская, уже являются молодыми классиками.Появляется новая группа молодых, талантливых художников. После первых успехов некоторые покупаются за довольно большие деньги, «Агата Кус» принадлежит к этой группе (крупноформатные работы свыше 20 000 злотых). Достигнутые цены подтверждают местное положение художника, но его закрепление уже происходит в международном тираже. Многим молодым людям это удается, говорит Лешек Чайка.

    Достижения художников КМС, особенно ведущих, являются одними из самых востребованных у коллекционеров, одни пополняют свои коллекции, другие ориентируются только на молодежь.В течение многих лет такие художники, как Бартош Кокосинский, Ева Юшкевич, Катажина Карпович, Ирмина Стась, Каролина Яблонская, Мартина Чех, Мариуш Таркавян, имели постоянную группу поклонников.

    В новейшем мультимедийном искусстве нет единого стиля переплета. Программа диверсификации галереи открывает доступ к рынку даже для самых специфических художников. Например, краковская Art Agenda Nova продвигает, среди прочего, Миколай Старовейский (2–15 000 злотых), выпускник знаменитой скульптурной мастерской «Ковальня» Варшавской академии художеств.

    - Хоть он уже и не дебютант, но еще не до конца признанный артист. Также фигура Анджея Жигадло (5 000–18 000 злотых) является примером художника на пороге долгой карьеры, он сочетает в себе множество, казалось бы, противоречивых элементов, отличную мастерскую, реалистичного художника, который примет людей, которые ценят эти ценности. в живописи с тенденцией к уменьшению, минимализму, интересная идея деконструкции. Историческое повествование с вымышленными элементами, — говорит Малгожата Голембевска, владелица галереи Art Agenda Nova.

    В галерее Arttrakt во Вроцлаве самыми покупаемыми молодыми художниками являются: Давид Чич (3–7 тысяч злотых), Михал Гонтарек (2,5–5 тысяч злотых) и Ева Горал (3,5–5 тысяч злотых). - Их работы более доступны, чем работы классиков или более известных художников. Их покупают, потому что они нравятся, это основной мотив, а инвестиционный аспект не так важен. Некоторые люди не покупают достижения дебютантов, потому что, по их мнению, это ненадежное вложение, неизвестно, заблудится ли где-нибудь по пути такой человек, не исчезнет ли, - говорит Ида Смакош-Ханкевич, владелица Артракт.

    В краковской галерее Fresz, ориентированной в первую очередь на молодых художников, самыми популярными художниками являются Ольга Павловская (2–4 000 злотых) и Михал Цыган (4–8 000 злотых) - Мы всегда поощряем наших художников к участию в национальных и международных конкурсах. Награды и знаки отличия или участие в выставках-конкурсах напрямую влияют на повышение ценности художника на рынке, повышение интереса и привлечение внимания коллекционеров, – говорит Рафал Голомб из галереи Fresz.

    Мариуш Таркавиан «Мир и любовь», масляный маркер на фанере, 120 x 750 см, деталь, 2016 г., предоставлено галереей «Пропаганда

    »

    деньги.

    об.пл.

    Наращивание цены

    Построение цены — чрезвычайно сложный и тактильный процесс.

    - Картина не может быть слишком дешевой или слишком дорогой. Мы стараемся помочь начинающим художникам в оценке их работ, учитываем образование, достижения, технику и размер работ. При их продвижении стоит учитывать целевого заказчика - одних интересует конкретный стиль/тематика, другие смотрят на достижения художника и вопросы инвестирования, так же есть разные предпочтения клиентов в разных странах, нужно достучаться до нужных .Финансовые вопросы также индивидуальны, но, как известно, продвижение художника — это инвестиция галереи, чем больше она возвращается, тем больше средств можно потратить на дальнейшее продвижение, — добавляет Рафал Голомб.

    По словам Магдалены Мельницкой, будьте осторожны, чтобы не попасть в ловушку так называемой слишком многообещающий. Потому что если работы перспективного молодого художника слишком низкие, то это свидетельствует о комплексах или неосведомленности об элементарной, даже технической оценке произведения, а если они слишком высокие в контексте собственного рынка, то их либо полностью игнорируют покупателями сейчас или не будет прогресса в будущем.

    Цены на арт-рынке — это результат многих элементов, в том числе состояния и потенциала художника, его развития на временной шкале, а также технической стороны произведения, его специфики. Должна быть разработана стратегия присутствия на арт-рынке, в том числе следует очень внимательно относиться к аукционной истории, чтобы цены не были слишком низкими, а кроме того, слишком обильное и интенсивное присутствие в Интернете также не рекомендуется.

    Творчество — это тайна. Он требует спокойствия и концентрации. Вот для чего накопление - выставка, мероприятие - тогда мы показываем мысль.На этапе разработки он должен быть защищен. Берегите пламя, — говорит Магда Мельника.

    Кама Зборальска - эксперт арт-рынка, соавтор Kompas Sztuki и Kompas Młodej Sztuki

    Программный директор Варшавской художественной ярмарки, куратор галереи (-1) PKOI в Варшаве. В знак признания ее деятельности в области спорта и искусства PKOI наградил Каму Зборальскую серебряной и золотой медалью «За заслуги перед польским олимпийским движением». Автор серии книг «Искусство инвестировать в искусство.Путеводитель по галереям» (первый том, награжденный Польским обществом книгоиздателей в конкурсе на самую красивую книгу 2003 года), альбом «Галерея (-1) Олимпийского комитета Польши. Выставки современного искусства 2006–2016″ (2016) и соавтор коллективного издания «Олимпийские художественные конкурсы. Олимпийские лавры» (ПКОИ, 2012). Он читает лекции на факультете медиаискусства Академии изящных искусств в Варшаве.

    Как создавался рейтинг молодых художников

    Kompas Młodej Sztuki издается в Речи Посполитой с 2008 года.Текущее издание - 18-е. Предыдущие были опубликованы в 2008, 2010, 2012, 2013, 2014, 2015, 2016 и 2017 годах.

    Список молодых художников до 35 лет, в том числе 203 имени в этом году, как обычно, был составлен представителями ведущих польских галерей современного искусства: коммерческих и общественных, специализирующихся на продвижении искусства (в аналогичной пропорции).

    В этом году в нем приняло участие 71 известное учреждение, в т.ч. CCA Ujazdowski Castle, Foksal, BWA Zielona Góra, Poznań Arsenal, Galeria Biała, Galeria Bielska, CCA Łaźnia и коммерческие: Starmach Gallery, Zderzak, помещение 30, Le Guern Gallery, M2 Gallery, Artemis, Propaganda и др.Были объединены две галереи в Кракове - FAIT и Potencja, а также галерея Родригеса в Познани и HOS в Варшаве.

    Руководители или владельцы галереи сообщили о пяти именах, ориентируясь на достижения художников (выставки, публикации и т. д.). Создатель, названный первым, получал 5 баллов, второй — 4, третий — 3 и т. д. Сумма баллов определяла итоговую позицию в рейтинге.

    Имена выбирают из числа тысяч выпускников художественных школ. Ежегодно около 2000 выпускников академий.люди. Стоит обратить внимание на то, как проголосовали коммерческие и публичные галереи, и что больше ценилось в отборе: меркантильная или художественная нить.

    Конкурсная выставка

    Во время открытия постконкурсной выставки, представляющей работы ведущих КМС 2018 13 декабря 2018 г. в г. 19 (выставка открыта до 19 декабря) в Варшавской галерее (-1) Олимпийского комитета Польши в Олимпийском центре будет вручена 1-я премия KMS в размере 10 000 злотых. PLN на Бартоша Кокосиньского. Учредителем является Bank Millennium - Покровитель Kompas Młodej Sztuki.

    В ходе мероприятия сумма в размере 5 тыс. Злотых за впечатляющий прогресс в рейтинге получит Ирмина Русицка, которая в прошлом году была последней, а в KMS 2018 заняла восьмое место. Премия финансировалась FutureNet.

    Роман Зимян, один из основателей портала FutureNet, говорит, что искусство — это наследие, о котором нужно заботиться. По его мнению, сегодня культура идет рука об руку с меркантильностью. Однако высшее искусство не имеет ничего общего с бизнесом. - Поэтому мы, деловые люди, должны его поддерживать.Вместе с моим партнером Стефаном Моргенштерном мы профинансировали первую скрипку Страдивари в истории послевоенной Польши, — добавляет он.

    .

    Смотрите также